Ernst Lubitsch

Quotes

By Lubitsch:

"At least twice a day the most dignified human being is ridiculous."

"I let the audience use their imaginations. Can I help it if they misconstrue my suggestions?"

"There is Paramount Paris and Metro Paris, and of course the real Paris. Paramount's is the most Parisian of all."

"I don't believe in reproducing a play on the screen exactly as it was done on the stage. Anyone can make a carbon copy. Carbons are always dull."

"I think I am possessed only of a fascination for the work I have chosen to do . . . I am so engrossed by the production of a film that I literally think of nothing else. I have no hobby, no outside interests and want none."

"I hear and I forget; I see and I remember; I write and I understand."

"I sometimes make pictures which are not up to my standard, but then it can only be said of a mediocrity that all his work is up to his standard."

"In Hollywood we acquire the finest novels in order to smell the leather bindings."

"Nobody should try to play comedy unless they have a circus going on inside."

"There are a thousand ways to point a camera, but really only one."


On Lubitsch:

"None of us thought we were making anything but entertainment for the moment. Only Ernst Lubitsch knew we were making art." -- John Ford

"A man of pure cinema." -- Alfred Hitchcock

"I worshipped him. I admired his work enormously. He went head and shoulders beyond everyone in the field of sophisticated high comedy. -- Joseph Mankiewicz

"In that Golden Age of Hollywood that everybody's always talking about there were only two directors whose names meant anything to the public and critics: Cecil B. DeMille and Ernst Lubitsch." -- Claudette Colbert

"Lubitsch was a prince." -- Francois Truffaut

"Lubitsch was cerebrally way beyond the ordinary director." -- J.J. Cohn

"I loved Lubitsch, mainly for his tremendous desire to make something funny with class . . .
It was strange -- he really should have been a Frenchman." -- Edgar G. Ulmer

"He was the only great director out there. Ninotchka was the only time I had a great director in Hollywood. -- Greta Garbo

"Lubitsch was a giant . . . his talent and originality were stupefying." -- Orson Welles

"He could do more to show the grace and humor of sex in a nonlustful way than any other director I've ever heard of." -- Charles Chaplin

"Lubitsch had the greatest sense of humor of any individual I've ever met. The actors all loved him. He had a very . . . human quality about him. He was the type of man that became your friend after you met him once. A great man." -- Joseph M. Newman

"He was an imaginative, perceptive, mischievous and an altogether brilliant director."
-- Melvyn Douglas

"Lubitsch towered above anybody, creatively, that I met in Hollywood . . he was the greatest craftsman who ever lived . . . in the sense of knowing the most brilliant and original way to use the medium." -- Samson Raphaelson

"His life was an uninterrupted ribbon of film." -- Unnamed Friend

"Ernst Lubitsch was the complete architect of motion pictures. His stamp was on every frame of film -- from conception to delivery. For high style, romantic comedies and spicy musicals he set a standard that has not been equaled. The Lubitsch 'touch' was unique."
-- Frank Capra

"Ernst Lubitsch was truly the auteur of his films. He created a style of sophisticated comedy peculiarly his own, as well as a new style of musical, both unknown before his time. His films bore the recognizable and indelible stamp of the gay, clever, witty, mischevious master, whose delightful personality matched his work. I am proud to have known his as a friend and teacher. Lubitsch's films were truly Lubitsch's, possessive credit intended."
-- William Wyler

"His films were loaded with a kind of wit which was specifically the essence of the intellectual Berlin in those days. This man was so strong that when he was asked by Hollywood to work there, he not only didn't lose his Berlin style but he converted the Hollywood industry to his own way of expression." -- Jean Renoir



Información sobre Lubitsch:
http://www.lubitsch.com/

Fritz Lang

Fritz Lang fue junto a Murnau el más prestigioso representante del expresionismo alemán. Pero al subir Hitler al poder, abandonó Alemania para instalarse en EE.UU., donde realizó 22 films. En 1958 volvió a Alemania donde retornó a su antigua filmografía, rodando: La tumba india y los crímenes del Dr. Mabuse.

Pero fue principalmente en su etapa americana donde Lang al igual que Ford llegó a ser considerado como uno de los 'maestros', un clásico que ha legado para el cine un universo de la existencia humana en el que la culpabilidad, el destino de los hombres, la venganza o el medio social dieron lugar a una creación única en la imagen y el lenguaje cinematográficos.

Fritz L en América es un libro fundamentado sobre las entrevistas realizadas por Peter Bogdanovich a F.Lang.

El libro se divide fundamentalmente en dos partes. La primera parte y principal es donde hace un repaso película a película de las que rodó cuando se instaló en EEUU y posteriormente. La segunda parte es un glosario detallado de toda su filmografía, tanto proyectos realizados como los que no, incluyéndose algunos comentarios muy breves, también interesantes.

Dice Bogdanovich:

“Como creador de pesadillas Lang tiene pocos rivales”

Lang nos señala algunas peculiaridades sobre su forma de trabajar con los actores:

"Yo no quiero (como hacen muchos directores) interpretar el papel ante él, y que me después me imiten, porque no quiero tener 20 pequeños Fritz Lang correteando por la pantalla."

Detalles sobre algunas películas, el toque Lang:

"Me pregunto cuantas mujeres han echado café caliente sobre las caras de sus esposos y se sintieron muy decepcionadas con el resultado, y dijeron: “Lang es un director asqueroso”

"Previamente Lang deja su sello, da su toque, se encarga de que se vea el café en el fuego hirviendo desde hace un rato."


O sobre su relación con los guionistas. Lang se consideraba a sí mismo como un excelente médico de guiones:

"Escribir todo, siempre puedo tacharlo."

Por supuesto el destino, la fatalidad deben de aparecer en una entrevista a Lang, La idea del hombre contra su destino:

"Inconscientemente recorre todas mis películas, supongo. “Odio, asesinato, venganza”, la lucha contra el destino y “la venganza en un fruto amargo y malo”.

Comentarios curiosos:

"De pasada, no me importa que alguien me robe – yo he robado un montón de cosas en mi vida- y no lo llamaría robar; creo que fue Stendhal quien dijo: “Está permitido coger las cosas buenas donde se encuentren”

Sobre Mabuse :

"… ¿qué tal hacer una película sobre Mabuse?, Y le dije “¡ya maté a ese hijo de perra! Por eso hice Das Testament des Dr Mabuse (1932). Se acabó”. Pero insistió …"

Curiosidades:

"Yo inventé la cuenta atrás es muy divertido: surgió de una necesidad en Frau in Mond. Cuando rodé el lanzamiento , dije: “si cuento uno, dos, tres, cuatro, diez, cincuenta, ciento, el público no sabrá cuando despegará. Pero si cuento hacia atrás-diez,nueve….,dos, uno, ¡cero!-, entonces lo sabrán”. Así fue la “cuenta atrás”.

La relación con los productores desde luego no tiene desperdicio:

Reconsideré el pasado – cuantas películas habían sido mutiladas-, y como no tenía la menor intención de morir de un ataque cardíaco, dije “Creo que dejaré esta carrera de ratas” Y decidí no hacer películas aquí nunca más.

"La mayoría de los productores creen que el público es idiota.

¿Porque le pone bigote a ese hombre? En suiza nadie lleva bigote… mientras esté usted en el plató no rodaré.

Pero no hay derechos de autor para los directores."

Seguramente tenga sus razones para recordar Lang lo bueno que es, a lo largo de la entrevista se encarga de recordarlo. Sin duda, objetivamente, profesionalmente es un genio.

"Yo era algo que es siempre odiado en Hollywood: Un perfeccionista. A nadie le gusta un perfeccionista, ya sabe, “es tan difícil trabajar con él”.

Apichatpong Weerasethakul

Palma de Oro en Cannes, premio de la crítica en Sitges, seleccionada por Thailandia para ser su representante en los Oscars... Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas está siendo todo un éxito para su director, Apichatpong Weerasethakul, quien ya sabía lo que era recoger galardones menores en el festival francés.

Pregunta: La película es un homenaje a su hogar y a un tipo de cine con el que creció.
Apichatpong: Creo en la transmigración de las almas entre seres humanos, plantas, animales y espíritus. La historia del tío Boonmee muestra la relación entre el ser humano y los animales y al mismo tiempo rompe la barrera que los separa. Cuando el cine representa los hechos, estos se convierten en recuerdos compartidos entre el equipo, el reparto y el público. Una nueva capa – simulada – de recuerdos se añade a través de la experiencia del espectador. En ese aspecto, la realización cinematográfica no es muy distinta de crear vidas pasadas sintéticas. Me interesa explorar las tripas de esta máquina del tiempo. Podrían existir algunas fuerzas misteriosas que esperan ser reveladas tal y como ciertas cosas a las que solían llamar magia negra han resultado ser hechos científicos. Para mí, hacer cine sigue siendo una fuente de la que no hemos sabido utilizar apropiadamente toda su energía, de la misma forma en la que no hemos podido explicar detalladamente los mecanismos internos de la mente.
Además, me he interesado por los procesos de destrucción y extinción de las culturas y de las especies. En los últimos años, en Tailandia, el nacionalismo, alimentado por los golpes militares, ha producido un enfrentamiento de ideologías. Ahora existe un organismo estatal que actúa como una especie de policía moral que prohíbe las actividades “inapropiadas” y destruye su contenido. Es imposible no relacionar la historia del tío Boonmee y sus creencias con esto. Es un símbolo de algo que está a punto de desaparecer, algo corrosivo, como el cine, el teatro y la forma de interpretar de la vieja escuela, los cuales no tienen sitio en nuestro mundo actual.

P: ¿Qué tiene de especial para usted el noreste de Tailandia? ¿En qué se inspiró para hacer esta película?
A: Hace unos cuantos años, cuando vivía en el noroeste, conocí al tío Boonmee. Un abad de un monasterio cercano a mi casa me dijo que había un anciano que había llegado al templo para ayudar en sus actividades y para aprender meditación. Un día, este hombre, Boonmee, fue en busca de un abad y le dijo que mientras estaba sumido en la meditación, pudo ver sus vidas anteriores pasar tras sus ojos cerrados como si fuera una película. Se vio a sí mismo y se sintió como un búfalo, una vaca, incluso un espíritu incorpóreo que vagaba por las llanuras del noreste. El abad quedó impresionado pero no sorprendido, porque Boonmee no era la primera persona que le hablaba de tales experiencias. Acá y allá, él estuvo recopilando historias de aldeanos que compartieron sus vidas pasadas con él. Más tarde, publicó un pequeño libro. En su portada se podía leer: A Man Who Can Recall His Past Lives. Desgraciadamente, para cuando me hice con el libro, Boonmee ya llevaba varios años fallecido.

P: Todas sus películas han tenido un fuerte componente autobiográfico. No parece que sea ése el caso de Uncle Boonmee…
A: Comparada con el libro original de Boonmee, ésta película tiene mucho de mí. El proceso de realización me hizo darme cuenta de que soy incapaz de ser fiel a una fuente original. Además de alterar vidas pasadas, pasé a Boonmee a un segundo plano y destaqué a los actores con los que suelo trabajar, Jenjira y Tong, que actúan como testigos del tránsito de este hombre anónimo. La película no es sobre Boonmee, sino sobre mi idea de la reencarnación. De forma natural, acabó siendo un homenaje al cine con el que crecí. Un tipo de cine que está muriendo o ya está muerto. Y, una vez más, mi padre se deslizó en la película. Falleció de una insuficiencia renal. Todos esos aparatos médicos de la habitación de Boonmee son una réplica de los que había en la de mi padre.

P: Una vez más, ha decidido trabajar con sus actores habituales y con dos actores aficionados (el tío Boonmee y Huay). ¿Cómo eligió a los actores? ¿Todos son del noreste?
A: Todos excepto Tong. Él es el único que no habla el dialecto del noreste. Para mí, Boonmee es una persona anónima. Por tanto, no pude utilizar actores profesionales, ya que estos tienen múltiples identidades que la gente ya conoce. Creo que usar a actores aficionados es algo muy valioso cuando utilizas un estilo de interpretación de la vieja escuela. Así, elegí a gente de todo tipo. Boonmee y Huay acabaron siendo interpretados por un soldador de tejados y una cantante.

P: Aunque el título de la película hace mención a las vidas pasadas del tío Boonmee, él nunca habla de ellas ni describe cómo son.
A: Originalmente, el guión era más explícito y detallaba cuáles eran las vidas pasadas y cuáles no. Sin embargo, en la película decidí respetar la imaginación del espectador. Por supuesto, tras verla puedes decir que es un búfalo o una princesa. Pero, para mí, podría ser cualquier ser vivo de la película: los insectos, las abejas, el soldado, el bagre, y así con todos. Podría incluso haber sido el espíritu simio de su hijo y el de su esposa. Así, la película refuerza una asociación especial entre cine y reencarnación. El cine es la forma que tiene el hombre de crear universos alternativos, otras vidas.

P: Ha declarado que la película es un homenaje a un cierto tipo de cine, el cine de su juventud. ¿Qué tipo de cine tenía en mente? ¿El cine tailandés?
A: Soy lo suficientemente viejo como para haber visto las series de televisión rodadas en 16 mm. Se hacían en estudios con una iluminación intensa y directa. Les susurraban los diálogos a los actores, que los repetían mecánicamente. Los monstruos siempre estaban en la oscuridad para camuflar sus baratos disfraces. Sus ojos eran luces rojas para que los espectadores pudiesen reparar en ellos. Sólo tuve la oportunidad de ver películas de terror más tarde, cuando ya hacía cine. También reconozco una influencia de los cómics tailandeses. Los argumentos no eran complicados – los espíritus siempre eran parte del paisaje. Aún hoy en día es así.

P: La película tiene cambios evidentes de tono y estilo: a veces, es casi cómica e irónica, y otras veces es muy seria y emotiva.
A: Me encanta que mis películas funcionen como un monólogo interior, que oscilen entre un recuerdo y otro. Creo que es importante acentuar este proceso cuando en la raíz de la película está la reencarnación, los espíritus errantes.

P: Ha hablado de su interés por la trasmigración de las almas. Esto viene a la cabeza del espectador especialmente en las escenas finales de la película. ¿Es lo que les ocurre a Jen y Tong?
A: La escena ataca (con delicadeza) el tiempo y los puntos de referencia de la película. Espero que, al final, los espectadores sientan que son ellos los transportados.

P: Los espíritus y seres de fantasía han tenido cabida en sus películas anteriores como Tropical Malady. Sin embargo, en Uncle Boonmee… son las figuras centrales. ¿Qué nos puede decir de esto?
A: La película se centra en la creencia en elementos de otro mundo que de hecho son parte de nuestras vidas. Me fascina el hecho de que, a medida que envejecemos, nuestra infancia se vuelve más vívida. Creo que la curiosidad (y quizás el miedo) a los espíritus y a otros mundos surge cuando somos jóvenes y cuando nos estamos muriendo.

P: Su trabajo reciente parece haber tomado una dirección más política. La escena de la foto fija parece reflejarlo. Esa secuencia es muy diferente a todas las demás de la película.
A: También quería dar cabida a lo que recuerdo del proceso de convertir este proyecto en película. La película es parte del proyecto llamado Primitive Project, en el que intentamos capturar algunos recuerdos del noreste. Terminé trabajando con adolescentes en un pueblo con una violenta historia política. Construimos una nave espacial y algunos escenarios. También hicimos un cortometraje, A Letter to Uncle Boonmee, en el que se ve cómo recorrimos todo el pueblo en busca de una casa adecuada para el largometraje. Para mí, la experiencia que tuve en este pueblo siempre estuvo relacionada con la existencia de Boonmee. Es un lugar en el que los recuerdos son reprimidos. Quiero conectar ese hecho con el chico que lo recuerda todo. En esa escena de la película, los recuerdos de Boonmee y los míos propios se funden.



Información sobre Apichatpong Weerasethakul:
http://es.wikipedia.org/wiki/Apichatpong_Weerasethakul

Hong Sang Soo

Hong Sang-soo at Cannes.


On the day before his film was screened, I got a chance to do a one-on-one interview with Hong, which was quite an exciting opportunity. Although he said at one point that "it's far more important to watch my films and draw your own meaning from them, rather than listening my words," I did get a better feeling for his works after talking to him. A quick overview:

* On differences between Woman and his previous works: "For me, filmmaking is an expression of my being at the moment of making a film. Because I have changed in the time since I made my last film, there must be differences, but I don't start with a conscious plan that I will make this work different from my previous ones. I may have some intentions regarding the work, but they are not related to my previous films."

* On editing: "I think this is true of many filmmakers, but when I approach editing I consider the film as raw material shot by another director. Of course this is not as easy as it sounds, but I try. During the editing process I like to discover things. I may start with some intentions, but through making the film I discover something. If it is a substantial discovery, then my intentions may change..."

* On directors he admires: "Ozu, Eric Rohmer, some of Jean Renoir's works, some of John Ford, some Bresson (not all). There are many, many directors that I like... When I see artworks that I admire, it helps to give me a guideline, a foundation for my aesthetic judgement. In this way, I learn from them. When I find films, novels, or paintings that I like very much, it is like, "this is it." It is as if something inside me were trying to find a form or expression, and these artworks show me that it can be done."

* Hong's advice to younger filmmakers: "I try to start with a good question. A good question always comes from negating what is well-formed. How to view life, and such things. Then I try to view things or people or situations without any doctrine or ideology to interpret them. If I just accept existing interpretations, then I don't feel good -- it is like repetition, or producing something dead. I'm not sure if this would be helpful for young filmmakers... I start with a very ordinary, banal situation, and this situation usually has something in it that makes me feel strongly. It's a stereotypical feeling, but very strong. I have this desire to look at it... Perhaps it's a blind feeling. I put it on the table, and I look at it. I open up, and these pieces surface. They are not related, they conflict with each other. But I try to find a pattern that makes all these pieces fit into one. That's what I do."

* On filmmaking and the self: "It's very helpful for me as a human being to make films. It stimulates me and encourages me. You search for some kind of form, and then you finalize something... I'm still negating, I haven't got to the point where I'm over this negation, where I've found these small beliefs that are absolutely affirmative -- something I really believe in and am ready to talk about. As a person, I'm still in the process of negating... Filmmaking is a reflection of the self, but filmmaking always ends and takes a certain form. When I finish a film, I feel like I have overcome a certain hurdle. It's really good for me as a human being, and I hope that for some people, my films will do the same thing."








Página de Hong Sang Soo:
http://koreanfilm.org/hongsangsoo.html

"Ten Skies" de James Benning

Información sobre James Benning:
http://www.blogsandocs.com/?p=372

Filmografía para Clase

LA SOGA de Alfred Hitchcock
LOS PAJAROS de Alfred Hitchcock
EL CIUDADANO de Orson Welles
EL HOMBRE QUE MATO A LIBERTY VALANCE de John Ford
MI ADORABLE REVOLTOSA de Howard Hawks
AVANTI! de Billy Wilder
SER O NO SER de Ernest Lubitsch
LOS VERDUGOS TAMBIEN MUEREN de Fritz Lang
LAURA de Otto Preminger
SULLIVAN´S TRAVELS de Preston Sturges
EL RATA de Samuel Fuller
THE BELL BOY de Jerry Lewis
THE LADIES MAN de Jerry Lewis
THE MACKINTOSH MAN de John Huston
THE KILLING OF A CHINESE BOOKIE de John Cassavetes
WHAT´S UP DOC? de Peter Bogdanovich
THE PLAYER de Robert Altman
EL FRANCOTIRADOR de Michael Cimino

ELENA Y LOS HOMBRES de Jean Renoir
JUDEX de George Franju
PLAYTIME de Jacques Tati
PICKPOCKET de Robert Bresson
UN CONDENADO A MUERTE SE ESCAPA de Robert Bresson
FRANCISCO JUGLAR DE DIOS de Roberto Rossellini
ALEMANIA AÑO CERO Roberto Rossellini
EL DESIERTO ROJO de Michelangelo Antonioni
LA NOCHE de Michelangelo Antonioni
BLOW UP de Michelangelo Antonioni
BANDE DE QUATRE de Jacques Rivette
MI NOCHE CON MAUD de Eric Rohmer
LA PANADERA DE MONCEAU de Eric Rohmer
LOS AMORES DE ASTREA Y CELADON de Eric Rohmer

INVASION de Hugo Santiago
SILVIA PRIETO de Martin Rejtman
LOS MUERTOS de Lisandro Alonso
VIVA EL AMOR de Tsai Ming Liang
CURE de Kiyoshi Kurosawa
BLISSFULLY YOURS de Apichatpong Weerasethakul
LA MUJER ES EL FUTURO DEL HOMBRE de Hong Sang Soo
VAN GOGH de Maurice Pialat
A TRAVES DE LOS OLIVOS de Abbas Kiarostami
EL HIJO de los hermanos Dardenne
JARDINES DE OTOÑO de Otar Ioseliani
PARANOID PARK de Gus van Sant
LOST HIGHWAY de David Lynch

Filmografía y Bibliografía para examen final

Filmografía:

1. Hiroshima mon amour de Alain Resnais
2. La rodilla de Clara de Eric Rohmer
3. La dolce vita de Federico Fellini
4. ¿Dónde eatá la casa de mi amigo? de Abbas Kiarostami
5. El tren de las 10 y 10 a Yuma de Delmer Daves
6. La noche del sr. Lazarescu de Cristi Puiu
7. Disparen sobre el pianista de François Truffaut
8. Gloria de John Cassavettes
9. Family plot de Alfred Hitchcock
10. Pickpocket de Robert Bresson
11. Urgencias de Raymond Depardon
12. Ou est votre sourire enfoui de Pedro Costa


Bibliografía:

"Acerca de la puesta en escena"; "Algunas palabras sobre la composición plástica de la imagen y sonido" y "Sobre lo metafórico (cine y literatura)" en trad. esp. Cinematismo de Sergei Einsestein; Buenos Aires, Domingo Cortizo Ed., 1982.

"La realidad y el cine directo"; "El acontecimiento y la imagen" y "La enfermedad de los sentimientos" en trad. esp. Para mi hacer una película es vivir de Michelangelo Antonioni; Barcelona, España, Paidos, 2002.

"El cine, arte del espacio"; "El cine y los tres planos del discurso: indirecto, directo, hiperdirecto" de Eric Rohmer en trad. esp. El gusto por la belleza ; Barcelona, España, Paidos, 2000

"La resistencia del cine" de Jean Marie Straub en trad. esp. Kilómetro 111, Buenos Aires, Argentina, n°3, 2002

Introducción a una verdadera historia del cine en trad. esp. Jean Luc Godard; Madrid, España, Ed. Alphaville; 1980

"El montaje, mi hermosa inquietud" de Jean Luc Godard en trad. esp. Teoría y crítica del cine Barcelona, España, Paidos, 2005

"De la abyección" de Jacques Rivette en trad. esp. Teoría y crítica del cine Barcelona, España, Paidos, 2005

Notas sobre el cinematógrafo de Robert Bresson en trad. esp. Ed. Ardora Filmoteca Española, Madrid, España. 1997

"Sobre el tiempo, el ritmo y el montaje" + "Esculpir en el tiempo" en Esculpir en el tiempo de Andrei Trakovski, en trad. esp. Ed Rialp, Madrid, España. 1991

EL cine según Hitchcock de Fraois Truffauten trad. esp. Ed. Alianza, Madrid, España. 1997